DAWA
© Khadejha McCall, Untitled, Sérigraphie sur toile, 2000. Crédit photo : Chiedza Pasipanodya.
Practice as Ritual / Ritual as Practice
17 mars 2023 - 6 mai 2023
Vernissage vendredi 17 mars, 18h00
Commissaire : Andrea Fatona
Réservez votre place ici : https://www.eventbrite.ca/e/billets-practice-as-ritual-ritual-as-practice-588544561627
Dédié à la mémoire de Khadejha McCall (d. 2020) et Chloe Onari (d. 2021)
Practice as Ritual / Ritual as Practice est une exposition de groupe en tournée à travers le Canada, préalablement à la galerie A Space, elle sera présentée à articule le 17 mars 2023. Elle présente les œuvres de 10 femmes artistes noires qui ont participé à l'exposition historique de 1989 de DAWA, Black Wimmin : When and Where We Enter, la première exposition nationale à aborder l'exclusion des femmes artistes noires du paysage visuel du Canada. L'exposition témoigne et affirme la pratique soutenue des artistes de produire des œuvres qui articulent l'hétérogénéité des perspectives et des formes qui constituent l'art des femmes noires canadiennes d'aujourd'hui.
Les œuvres de l'exposition comprennent des peintures, des photographies, des textes, des installations, des vidéos, la réalité augmentée et la sculpture.
Extrait de l'essai d'Andrea Fatona.
BUSEJE BAILEY
CLAIRE CAREW
CHLOE ONARI
GRACE CHANNER
DZI..AN
KHADEJHA MCCALL
MOSA MCNEILLY
BARBARA PRÉZEAU STEPHENSON
WINSOM WINSOM
MARIE BOOKER
Ce projet d'exposition en tournée est coordonné par DAWA, le collectif regroupé en 2019.
Merci au Toronto Arts Council, au Conseil des arts de l'Ontario, au Conseil des arts du Canada et au Centre for the Study of Black Canadian Diaspora pour leur généreux soutien.
Buseje Bailey travaille à travers une variété de médias en essayant de saisir le savoir de l'humanité de la diaspora africaine dans cet environnement moderne, et avec sa complexité, sa diversité et ses vulnérabilités.
Bailey explore l'hybridité de (ses) identités - afro-jamaïcaine, femme, canadienne, etc. - et comment elle s'engage avec chaque étiquette/identité lorsqu'elle est sollicitée dans son travail. Elle utilise le médium approprié en ayant conscience de l'exploitation, en réfléchissant à la communauté au sens large et à l'implication de son travail sur la diaspora, dont elle fait partie.
Les créations de Bailey se situent entre l'espace de transition de l'être et du devenir, là où une étiquette s'arrête et où l'autre commence, avec des questions telles que : « Qui suis-je, qui sont-ils ? Et qui croit-on que je suis/nous sommes » à chaque intersection ?
Travaillant avec des médias basés sur des lentilles, comme des photos et des vidéos, elle s'inspire des médias grand public en disant que « les médias mêmes utilisés pour catégoriser et étiqueter... je les ai utilisés pour galvaniser ma réaction ».
Les vêtements rituels, les textiles, les insignes, les créations d'artistes et les dessins de Marie Booker expriment son affinité avec la nature, tout en se fondant dans sa lignée ancestrale et ses souvenirs de rêves. Depuis la fin des années 1980 et sous l'influence de sa chère amie et mentor, l'artiste textile Chloe Onari, Booker travaille avec la vie végétale pour colorer ses vêtements. Booker est également percussionniste et maître jardinière. Après le djembé, le dun dun et le krin, elle se consacre actuellement à l'apprentissage du balafon et à la création d'un "potager" public planté d'herbes médicinales et d'aliments issus des Premières Nations de Virginie et de l'Afrique asservie.
Les teintes de l'œuvre actuelle de Booker sont obtenues avec de la garance et des plantes de son jardin et sont ornées d'os et d'objets trouvés tels que des plumes et des coquillages. Ebe Yiye ! (Ça va s'arranger !)
Claire Carew est une artiste et une poétesse. En tant qu'artiste visuelle, elle se spécialise dans la peinture à l'huile et la sculpture. Depuis les années 1980, Carew a beaucoup exposé, notamment lors d'événements importants comme le festival Romerias de Mayo et une exposition solo à Holguin, à Cuba, en hommage aux autochtones des Amériques.
Prenant la route de l'aventure, Carew voyage également dans le monde entier, souvent seule, à la recherche de la beauté et des vestiges du passé dans plusieurs pays, ce qui, selon elle, est « parfois exigeant mais gratifiant ».
Carew a obtenu sa maîtrise en beaux-arts à San Miguel de Allende, au Mexique, après avoir terminé avec succès ses études à l'Université McGill. Ses peintures et ses sculptures font partie de collections privées et d'institutions publiques à l'échelle internationale et sa poésie et son art ont été publiés dans des manuels et des magazines. Carew est une artiste professionnelle qui continue de travailler au Canada et au Mexique, créant des œuvres visionnaires qui inspirent de nombreuses personnes.
Grace Channer est née dans le Derbyshire, au Royaume-Uni. Elle réside à Toronto, au Canada.
Lorsque l'imagination est pleinement engagée, l'art devient un processus de transformation et de transformation du monde. Rien ne change sans d'abord imaginer qu'il peut être changé. Une vision de soi capable de tourner sur elle-même à 540° dans les airs, de faire 140 km à vélo de Toronto aux chutes du Niagara, ou de manifester dans les rues avec d'autres personnes dans l'espoir que nos voix soient entendues, émerge grâce à un processus imaginatif d'espoir, de conscience, de pensée et d'amour.
La pratique artistique interdisciplinaire de Grace Channer est basée sur la recherche, dirigée par l'art et située dans une expérience esthétique transnationale, noire, queer et diasporique. Son travail est engagé de manière critique et théorique dans l'activisme et les questions de justice sociale, la communauté et l'art public.
DZI...AN est né en 1959, à Montréal, au Canada. Elle vit à Montréal, au Canada.
Au centre de la pratique de DZI...AN se trouve une question : « Qu'est-ce qui fait vibrer les humains ? »
Intéressée par la création de formes puissantes, elle crée des sculptures grandeur nature qui incitent les spectateur·ice·s à réfléchir aux rythmes humains.
Travaillant avec une variété de matériaux, DZI...AN s'intéresse de près aux éléments et aux matériaux tels que la terre, l'air, le bois, le métal et le feutre. Son intérêt pour le feutrage, un procédé millénaire, sert de matériau de base pour certaines de ses sculptures grandeur nature, dont la taille crée une intimité familière entre les spectateur·ice·s et les œuvres. Pour DZI..AN, travailler avec le métal revient à dessiner dans l'espace. "Je les centre sur un point d'équilibre pour qu'elles puissent vibrer au gré du vent".
Les sculptures environnementales de DZI...AN visent à inviter les spectateur·ice·s dans l'aventure d'un moment, dans une impression et peuvent même susciter l'envie de murmurer quelque chose aux objets au moment de partir.
Khadejha McCall était une artiste et une éducatrice qui a commencé à travailler avec des fibres en 1958. Après un certain nombre d'années de recherche et d'exploration avec ce médium, elle a excellé, repoussant constamment les limites des textiles avec lesquels elle travaillait. Khadejha est connue pour l'intégration de la gravure photographique de troisième génération dans son travail par le biais d'une fusion des techniques de sérigraphie et de peinture, ce qui permet d'obtenir une profondeur des motifs récurrents par le biais d'une superposition et d'une peinture méthodiques. Khadejha a intégré des photos de famille avec des symboles Yoruba d'Afrique de l'Ouest ; ces symboles sont profondément liés à la mémoire collective de la famille. Son travail est un hommage à la continuité historique de la diaspora africaine et aux rituels de la mémoire, formant une base spirituelle ancrée dans une politique féministe noire.
Khadejha a étudié à la Parsons School of Design et a obtenu un baccalauréat en arts de l'Université Concordia et une maîtrise en éducation de l'Université McGill. Elle a beaucoup exposé au Canada et aux États-Unis pendant plus de 50 ans.
Mosa McNeilly est une artiste, une éducatrice et une éditrice. Dans ses recherches interdisciplinaires, elle fait dialoguer l'encaustique, l'assemblage et l'installation avec le clown, le mouvement et la voix.
Dans son travail de mémoire Middle Passage, Mosa réimagine la poétique de la commémoration. Utilisant des iconographies hybrides, elle explore les activations communautaires de son installation comme une pratique de deuil incarnée.
Reflet d'une pratique créative qui fusionne avec la pratique cérémonielle, le travail de Mosa permet d'intégrer le matériel et l'éthéré. Fondé sur le travail réparateur de la collecte et de l'assemblage, son travail contemple la fragmentation et fait des gestes vers la plénitude.
Mosa a exposé à la A Space Gallery, au Harbourfront Centre, et à la Zig Zag Gallery, à Toronto, et s'est produite au Lloyd Best Institute, à Trinidad. Présentée dans Cosmic Underground Northside et Nuances of Blackness in the Canadian Academy, elle a donné des conférences à l'Université OCAD, à l'Université Dalhousie et à la galerie Axené07. Artiste en résidence du Hamilton Arts Council en 2021-22, Mosa est titulaire d'un diplôme d'études supérieures de l'Université de York.
Chloe Onari (née Clomin Onari Marshall) était une artiste, une infirmière de formation et une bâtisseuse communautaire dont la pratique artistique multidisciplinaire a duré plus de 50 ans. Chloe a commencé à explorer la conception de surface et les arts textiles au début des années 1970 en utilisant des méthodes autodidactes, notamment le travail avec des teintures naturelles, le batik et la sérigraphie, le tissage, le tricot et la bijouterie. Tout au long des années 1990, Chloe a effectué plusieurs voyages en Afrique pour approfondir son apprentissage et ses relations avec des artistes textiles nigérians, notamment Nike Olaniyi et Isaac Ojo Fajana.
Chloe a continué à développer son expression créative en organisant des expositions à l'échelle nationale au Canada, en tant que conservatrice, en créant des communautés, en coordonnant des ateliers et en donnant des cours au Toronto District School Board. Lors du CELAFI (Festivals de célébration de l'identité africaine) de 1992, elle a été commissaire de l'exposition Affinity pour le ministère de la Culture et des Communications de l'Ontario.
Atteinte de la maladie d'Alzheimer depuis de nombreuses années, Chloe a été prise en charge par ses filles, Karla et Natasha Smith, à Toronto, en Ontario.
Barbara Prézeau Stephenson a exposé au Museum of Latin American Art (MOLAA) (Californie, USA), Wallach Art Gallery of Columbia University (New York, USA), FROST Art Museum (Miami, USA), Musée du Grand Palais (Paris, France), Musée d'Art Haïtien et MUPANAH (Haïti), ainsi qu'aux Biennales de La Havane, Dakar, Venise et Mercosur.
En 1999, Prézeau Stephenson a créé le centre culturel AfricAméricA Foundation, aujourd'hui le Musée communautaire Georges Liautaud en Haïti. En 2000, elle a lancé le Forum transculturel pour l'art contemporain en Haïti. Au Canada, elle est membre de DAWA (le collectif regroupé formé en 2019). Elle a publié des articles et des livres sur l'art contemporain dans les Caraïbes et en Haïti. Barbara Prézeau Stephenson est actuellement bénéficiaire de la Bourse de recherche et de création du Conseil des Arts du Canada.
Winsom Winsom ne sépare pas sa vie et son art. Sa vie est son art - son art est sa vie.
Le travail de Winsom interprète les éléments, la terre, les animaux et la présence humaine à partir du contexte du système de valeurs afro-centrique où la spiritualité est centrale comme « le respect des éléments guide le passage humain ». À travers une variété de médias tels que la peinture, la sculpture, le film et l'installation, des connexions sont établies entre les différents niveaux d'existence par le biais de symboles en ligne et en couleur. L'imagerie actuelle de Winsom peut être attribuée directement à l'ancienne religion africaine Ifá et aux Ashanti qui ont médiatisé la relation entre la terre des vivants et des morts avec une structure vivante organique.
Winsom a étudié à la Jamaica School of Art et a reçu une formation formelle guidée par Barrington Watson et Albert Huie. En 2015, Winsom a reçu un doctorat honorifique de l'Université OCAD et en 2018 a exposé « I Rise », une exposition solo majeure au Musée des beaux-arts de l'Ontario.
Andrea Fatona est commissaire indépendante et professeure associée à l'Université OCAD. Fatona a oeuvré en tant que commissaire en art contemporain à la Galerie d'art d'Ottawa et a travaillé comme directrice de programmation à Video In, à Vancouver, co-directrice de la galerie Artspeak, à Vancouver, et directrice artistique de Artspace Gallery, à Peterborough. Sa pratique commissariale vise à créer des espaces d'engagement pour les producteurices culturels Noirs au Canada. Voici quelques exemples de ses projets de commissariat : Queer Collaborations (1993), Across Borders (1995/6), Cadboro Bay : Index to an Incomplete History (1999), The Attack of the Sandwich Men (2001), Reading the Image : Poetics of the Black Diaspora (2006-2008), Fibred Optics (2009-10), Will Work for Food (2011), Land Marks (2013-14), Settling in Place (2018) et Winsom : I Rise (2018). Fatona est titulaire d'une chaire de recherche du Canada, de niveau II, sur la production culturelle de la diaspora noire canadienne.
Artexte et articule s’allient pour Art+Féminisme
Journée de contribution sur Wikipédia et conférence
18 mars 2023 — 12h00 à 18h30 @ Artexte